Le modèle de la conférence est clair, cinq minutes de pitch par intervenant pour répondre à la problématique donnée, en privilégiant deux approches, l’approche usage et l’approche économique. Modérateur de la conférence, Aymeric Pichevin, co-fondateur du Home Sessions Club et correspondant en France du magazine Billboard, introduit avec une définition du «Cloud Computing» comme concept plus large que le concept d’URL. Ce soir l’opposition sera faite entre le mp3 (en tant que produit) et le streaming (en tant qu’accès).

Premier intervenant, Franz Tournadour (fondateur de Playlive) commence son raisonnement par une mise en abîme en rappelant que Spotify et consorts streament un fichier réel. Ce fichier réel, le mp3 (nom générique) est un fichier accessible et organisable en local. Le stream correspond donc à un mp3 connecté permettant une expérience utilisateur optimisée et complexifiée. Conséquemment, l’URL (ou le mp3 connecté) permet de sortir du paradigme de l’enregistrement que le mp3 perpétuait, et accroit l’innovation et les possibilités. Selon Franz, l’URL, contrairement au mp3 seul, permet à l’artiste de partager un univers, accroît la valeur d’usage et ouvre donc la porte à une monétisation logique. Il reprend la logique d’adoption de masse et rappelle que si 10% des internautes payent 10€ par mois pour un tel abonnement, l’industrie musicale s’en porterait mieux qu’en 2000. Ce raisonnement revient à dire qu’une forme de licence globale par les acteurs de l’innovation est une solution à long terme pour l’industrie, ce qui est pertinent mais soulève d’autres problèmes de liquidités à court terme.

Antoine El Iman (Noomiz) / Annina Svensson (Spotify)

Annina Svensson, DG de Spotify France met elle en avant le paradoxe du mp3, avec des situation parfois ironique de synchronisation impossible entre mobile et fixe. Annina va alors naturellement orienter le débat vers l’accès à la musique, et désormais définir cet accès comme une commodité. Conséquemment, et reprenant l’analyse très connue de Gerd Leonard, Music Like Water, elle déclare que la valeur est déportée vers le contenu ajouté. Spotify est donc conçu comme une plateforme, et permet aux développeurs et aux utilisateurs d’adapter le service à leurs besoins. Mais Spotify permet aussi aux marques, via du Branded Content de densifier l’expérience utilisateur, et donc permettre aux annonceurs d’adapter également la plateforme à leurs besoins. Encore une fois cette réponse très théorique et conceptuelle ne prend pas en compte les réalités économiques de certains acteurs qui ne vivent que de la création de valeur par la musique. Si la valeur économique est déportée vers le contenu ajouté, quelle redistribution pour ceux qui vivent du contenu brut, la musique ?

Yvan Boudillet, responsable du département digital business development chez EMI Music France commence par saluer (et il a bien raison) l’initiative qui réunit les créateurs et les entrepreneurs autour de l’innovation. Sa démonstration commence par le refus de rentrer dans une opposition des formats stream et mp3. Il ne faut pas rentrer dans une guerre des formats, car il n’existe plus de problèmes d’interopérablilité. Par ailleurs, Yvan préfère parler de musique connectée et enrichie avec des initiatives comme Opendisc et défini le l’URL comme un lien entre les différentes expériences. Il tient également à éviter l’opposition DRM (construire autour du mp3 par les métadonnées) vs. CRM (connaître les consommateurs et leur parler). Il en profite pour admettre que les majors expérimentent mais ne sont pas expertes sur ces sujets-là, du moins pas encore. Ce travail doit être fait en amont de la démarche de commercialisation et de production, et les métadonnées deviendront alors la clé de voute de l’écosystème de la musique. Cette intervention pleine de sens nous rappelle que les execs de majors ont aussi les mains dans le cambouis et que les solutions se trouvent le plus souvent dans l’expérimentation et l’itération. Cette importance des métadonnées démontre qu’il est primordial pour l’industrie musicale de transformer les données en informations et impérativement en connaissance. Ce process expliqué par la demi-punchline «DRM marche avec CRM» fait sens et nous permet d’identifier un premier chantier concret avant de rentrer dans des considérations presque métaphysiques de l’avenir de l’industrie musicale.

Gilles Babinet, Aymeric Pichevin, Yvan Boudillet (EMI Music France)

Antoine El Iman, fondateur de Noomiz rappelle que les utilisateurs ont envie d’ubiquité, d’exhaustivité et de découvrir/partager. Sur ces observations, pas de chiffres mais des tendances : très faible croissance du téléchargement légal, forte croissance sur le streaming et surtout sur les réseaux sociaux (80% du trafic sur Noomiz). Pour Antoine l’URL va même plus loin, puisqu’elle permet d’analyser et d’interpréter l’audience et de générer des recommandations sociales. Ces outils sont donc pertinents face au besoin des maisons de disques de détecter les nouveaux talents, puisque ces derniers représente une part croissante des revenus (+15% chaque année depuis 3 ans). C’est un reproche qu’il fait à l’industrie musicale des années 2000 qui ne s’est pas occupée des consommateurs finaux mais des intermédiaires.

Romain Becker de chez Believe Digital, a surtout mis l’accent sur le lien entre l’URL et les ayant-droit, ce format permettant d’identifier celui qui lui est rattaché directement. Une fois que l’on maitrise les contenus (piratage en baisse) et les ayant-droit, il faut considérer le web comme un média. Ce process permet selon Romain de reconstruire à travers l’URL un réel modèle économique. Encore faut-il s’assurer que l’on maitrise les contenus, chose peu aisée étant donnés les usages ancrés de piratage. La théorie avancé par Romain Becker sous-tend à juste titre qu’un écosystème à besoin de fondations solides (process, organisation, standards) pour pouvoir innover. Dans le cas de l’industrie musicale, les process ne sont pas encore complètement industrialisés, la transparence de l’information est multilatéralement faible, et les standards encore balbutiants. Il reste donc encore énormément de travail pour solidifier cet écosystème et «reconstruire à travers l’URL un réel modèle économique».

Laurent Bizot, DG du label No Format présente la vie d’un label. Il rappelle l’importance de la création, et chiffre concrètement ses arguments. Un album c’est deux ans de gestation, et en moyenne 20 000 euros d’investissement pour un producteur. Un label comme No Format reverse à l’artiste de 30 à 65% des revenus générés par la vente d’un CD, et a besoin de vendre autour de 7000 albums digitaux pour arriver à l’équilibre, alors qu’il lui faut 222 millions d’écoutes sur Spotify pour le même résultat. La situation décrite est connue, mais à le mérite de mettre en exergue le paradoxe que connait l’industrie musicale dans sa gestion de l’innovation. Laurent Bizot utilise et apprécie Spotify, c’est pour lui la meilleure expérience utilisateur pour consommer la musique, mais il pense chaque jour à retirer son catalogue du site suédois pour simplement survivre. Même s’il se rend compte que c’est l’avenir, cette solution n’est pas monétisable pour la création à court terme. En ouverture il demande aux FAI et aux sites de streaming de soutenir la création sous forme de taxe, ou de contrepartie (Spotify qui donne les données relatives aux écoutes).

Le panel

Gilles Babinet, serial entrepreneur web/musique provoque d’entrée : «fuck the format?». Il propose de se recentrer sur les usages de la musique, comme lorsqu’il a créé Musiwave et compris que les jeunes voulaient des sonneries Hi-Fi. Cette réflexion qui peut créer du sens et de l’argent doit être au coeur de la réflexion. Les 8-12 ans, sur des sites de partage de vidéos comme Youtube ou Dailymotion, regardent la musique à plus de 50%, et c’est à partir d’un constat comme celui-ci que l’on peut donner des réponses pertinentes selon Gilles. Quant au financement de la création ? Il est cyclique et à connu le mécénat pour aller vers le financement participatif. Pour l’instant la priorité est de gagner en nombre d’entité qui peuvent pousser et promouvoir la musique, et surtout de développer des interfaces utilisateurs ultra simplifiées. Pour autant le nombre d’entité dans cet écosystème (il commence à y avoir pas mal d’acteurs) est intéressant mais leurs impacts potentiels respectifs ne semblent pas suffire à transformer la valeur d’usage en valeur économique, ce qui est impactant pour les petites entités.

Philippe Cohen Solal, de Gotan Project est auteur, artiste et producteur. Pour le mot de la fin il raconte son histoire d’amour avec le vinyle et son désamour pour le mp3. Donc il a un regard assez détaché sur la mort possible de ce format et se demande surtout comment l’industrie peut gagner de l’argent. Il va tenter l’analogie avec l’apparition de la radio libre perçue alors comme une menace pour les maisons de disques, puisque elle permettait l’écoute continue de musique en haute qualité. L’URL va-t-elle devenir la radio du mp3 ?

Sur ces pitchs d’intervenants, les problématiques économiques n’ont été que trop peu abordées, et le sont dans la seconde partie : le débat, «Quelle formes de monétisations pour la musique ?»

Annina Svensson ne veut pas oublier la création, sans laquelle une initiative comme Spotify n’aurait pas de sens. L’exhaustivité du catalogue détermine la valeur de l’offre de Spotify, et même si les labels peuvent percevoir le site de streaming suédois comme une menace, elle leur demande un peu candidement de faire un «Leap of faith» et de croire à long terme à ce modèle. Yvan Boudillet envisage des modèles coexistants et rappelle que le streaming est un relais de croissance pour le mp3 (Deezer 1er affilié d’iTunes, etc.). De plus l’identification de valeur sur le streaming est complexe puisqu’elle fluctue en fonction de l’utilisateur. Sur iTunes, le prisme du prix peut être animé ce qui est plus difficile sur une logique cross-plateforme. Et ce prisme du prix peut permettre un relais de croissance pour le back catalogue en créant des promotions croisées entre les nouveaux artistes et les artistes dont ils se réclament. Lors de ce débat il sera aussi rappelé que l’iTunes-dépendance existe encore, mais qu’elle empêche le paradigme de la longue traine d’être validé. Ainsi sur le streaming les abonnés payants à Spotify valident ce paradigme et écoutent beaucoup plus de musique indépendante que les utilisateurs de la version gratuite.

Philippe Cohen-Solal (Gotan Project), Annina Svensson, Franz Tournadour (Playlive), Gilles Babinet, Aymeric Pichevin

Pourtant dans ce débat parfois assez consensuel les questions pratiques ne sont pas abordées. Les problématiques de financement de cet écart de trésorerie entre un business model concentrique autour du disque et un business multicentrique autour de l’artiste sont évitées. Et pour cause, les principales pistes de financement impliquent que la musique ne soit plus monétisée directement, mais serve de produit d’appel pour d’autres industries. Si les notions de «Branded Content», de «Social Gaming» et d’abonnement téléphoniques sont uniquement avancées quand on parle monétisation, le risque pour les créateurs et les producteurs de devenir dépendant de ces acteurs devient important.

Du coté des questions, elles sont restées plutôt génériques, avec un décalage réel entre les attentes du public et les réponses des panélistes. En témoigne une intervention d’un artiste vraisemblablement irrité par la tournure quasi exclusivement business qu’a pris la conférence, qui s’en est pris principalement à Annina Svensson, DG de Spotify France, et à son incapacité à répondre concrètement à des questions de monétisation de la création. Sur Twitter, de nombreux participants attendaient une question sur la licence globale, mais sans revendications précises. Cette bataille date un peu et semble être obsolète face à la configuration actuelle des acteurs (entrepreneurs et créateurs) autour de la gestion de l’innovation.

En résumé une très bonne première édition d’un rendez-vous que les acteurs attendent désormais mensuellement, et qui sera également attendu par le public avec de nombreuses questions on l’espère les plus constructives possibles. On imagine et espère des prochaines éditions plus spécifiques avec des sujets précis et des intervenants tout aussi pertinents.

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Crédits photos: FlickR CC Ophelia Noor et Silicon Maniacs

Or, si l’electro comme genre musical attrape-tout estompe les origines dancefloor d’une musique devenue « un son », il reste que s’agiter sur de la musique de rave n’est jamais plus jouissif que lorsqu’un maitre-DJ s’empare des tracks (voir vidéo ci-dessous). Radium, par ailleurs membre du duo live Micropoint, est de ceux qui administrent des mix telluriquement orgiaques. La moins connue de nos stars internationales des platines retourne un public en quelques secondes et, puisqu’il s’agit de hardcore, il est question de beats puissants et de toucher précis. Et de la façon dont la rave a façonné la musique populaire selon des codes que le DJ parisien révèle.

Cela a commencé sur un dancefloor en 1992, après que le fervent réfractaire à la culture rave que j’étais alors ait pris une claque frontale en découvrant le pendant le plus extrême de la techno ! Déjà musicien amateur à l’époque, il ne me fallut pas longtemps pour me mettre définitivement au hardcore.

Le manque de visibilité de cette scène ne m’a jamais trop dérangé en soi, je pense que tout fan de hardcore est à la base quelqu’un qui à tendance à rejeter la ‘culture mainstream’. Mais ce n’est pas parce que cette scène n’est pas médiatisée qu’elle est ou a toujours été confidentielle. Heureusement, il n’est pas encore indispensable pour un musicien de passer à la télé pour pouvoir vivre de son art !

Cliquer ici pour voir la vidéo.

C’est un peu réducteur de ramener l’importance ou la viabilité d’une scène au nombre de ‘figures mythiques’ qu’elle compte, le hardcore est encore une jeune scène par rapport à la majorité des autres.

Et je ne sais pas si on peut dire que cette scène ne permet foncièrement pas aux musiciens d’en vivre, ces derniers étant quand même déterminants dans le développement de la scène… Dans une certaine mesure, chaque nouvel artiste amène de nouvelles personnes à s’intéresser à cette musique, c’est en soi à la portée de chacun d’y apporter suffisamment pour pouvoir en vivre, quel que soit l’état de la scène à ce moment-là.

En Hollande, la scène hardcore est beaucoup plus développée qu’en France, donc beaucoup plus attractive pour de nouveaux artistes, c’est pour cela qu’il y en a plus qu’en France qui choisissent cette voie, mais cela ne veut pas dire que 20 DJ ne pourraient pas en vivre en France. Chaque éclosion d’une nouvelle génération d’artistes s’est toujours soldée par une recrudescence massive de la fréquentation des soirées et un développement conséquent de la scène dans son ensemble.

DJ Radium à la soirée Megarave France en 2009

La société infiltrée par les codes rave

La rave est un peu le terme utilisé pour englober toute la scène techno et ses différents courants, parfois encore plus globalement dénommée ‘musiques électroniques’ en France et ‘house’ à l’étranger ! A la base, la rave est une grande fête techno dans un lieu insolite avec profusion de décibels et de lights, dans un esprit de pur délire et de tolérance…

La free party est son courant le plus alternatif et rebelle, dont les principes de bases sont le DIY et la (pseudo ?) gratuité… Les lieux sont le plus souvent squattés (d’où une prédisposition pour le plein air), la technique et la sécurité approximatives, et l’on y va surtout pour le fameux état d’esprit ‘free’ (tout est permis et f*** le system)! Il est indéniable qu’une certaine forme de hardcore est prépondérante dans les free-parties, mais il serait erroné de faire l’amalgame entre les deux scènes.

Bien sûr, même si pour la génération actuelle, la rave n’est plus aussi novatrice qu’elle l’était pour les ravers d’il y a 20 ans… Il est vrai que de nombreux éléments ou codes rave ont infiltré la société dans son ensemble. La rave pourrait sembler avoir perdu de sa spécificité, mais aucun autre mouvement depuis n’a été aussi novateur et fédérateur en même temps…Il me semble donc bien que la rave soit encore à la pointe de l’underground !

Ce qui fait « techno » fait jeune et fait vendre

Musicalement, depuis 10 ans, on peut dire que la techno a infiltré quasiment toutes les musiques estampillées ‘jeunes’ : l’utilisation de la TR909, de boucles acides ou d’effets de filtres s’est généralisée (seul le rock pur et dur y est peut-être encore globalement réfractaire…) , elle a posé de nouveaux standards en matière de précision qui font qu’aujourd’hui, même les grosses productions de variété ou de jazz sont le plus souvent recalées sur ProTools.

Globalement, une certaine esthétique techno s’est insinuée un peu partout, c’est presque devenu un cliché de dire que ce qui fait ‘techno’ fait jeune et fait vendre !

Je ne prétendrai pas définir l’underground, terme dont chacun peut avoir sa définition ! Pour moi, cela peut désigner des scènes artistiques alternatives où le profit n’est pas une motivation première, privilégiant donc souvent la création. Ainsi, la création reste le levier de développement de la rave, si certaines de ses spécificités ont été récupérées partout ailleurs, à elle d’innover et de créer de nouveaux concepts… Qu’ils soient musicaux ou autres.

Le hardcore, laboratoire de la techno

Le hardcore est à la base la forme extrême de la techno : plus rapide (en général à partir de 160bpm jusqu’à…), plus lourde et énergique (rythmiques saturées), rejetant le plus souvent la mélodie pour privilégier des sonorités âpres et synthétiques, et véhiculant souvent un message sombre ou provocateur. Au départ, le maître-mot était de prendre à rebrousse-poil tous les codes musicaux existants, sculpter le bruit et l’énergie, mais depuis ses balbutiements, le hardcore a connu des vagues successives qui le rendent aujourd’hui beaucoup plus codifié et formaté, mais aussi redoutablement plus efficace pour ce qui est de faire bouger un dancefloor !

Si on considère la techno comme étant à la pointe de l’innovation des techniques sonores des 20 dernières années, et le hardcore comme son ‘labo expérimental’, on pourrait presque dire que quasiment chaque nouvelle sonorité depuis 20 ans a d’abord été utilisée en hardcore…

Audiogenic, dont DJ Radium est le co-fondateur et le Directeur artistique, est la plus grosse société de production discographique indépendante de France, dans le registre de la techno hardcore

On me l’attribue, mais je n’ai ni inventé ce terme, ni fait ma musique dans l’optique de créer un style à part entière ! On définit en général le frenchcore comme un hardcore rapide, clair, festif, coloré, souvent basé sur des samples, et appelant au pogo !

Ma passion pour la musique a débuté enfant avec de la pop anglaise 60’s (Beatles en tête), puis avec du rock progressif 70’s (Pink Floyd, Genesis…). Ado dans les années 80, je n’ai pas coupé à la new-wave de l’époque et aux bons vieux Depeche Mode, Cure, etc… avec une petite préférence pour New Order et les pionniers Kraftwerk, d’autres artistes de l’époque (Prince), des artistes plus inclassables (Bowie, Zappa), du rock (Queen) et du punk aussi (Sex Pistols), même si j’ai longtemps été réfractaire au metal et que l’on ne puisse pas dire que je sois un fan de rock pur et dur selon les critères actuels… Au final, pas mal de trucs grand public.

Ce bagage et d’autres choses que j’ai pu écouter depuis que je fais du hardcore (big beat, electro, rock ‘moderne’, etc…) sont évidement une grande source d’inspiration pour moi, je pense qu’une bonne idée musicale peut s’affranchir des barrières du style ou de l’époque.

L’arrêt de mort du vinyle

Bien sûr, j’ai toujours été très attiré par les expériences hybrides ! Chaque univers musical a beaucoup à apporter aux autres, c’est toujours une expérience mutuellement enrichissante. Je suis a priori ouvert à tous les styles, même si j’aurai forcément plus d’attirance pour des collaborations avec des styles proches, au moins en énergie.

Il est clair que la crise du disque est particulièrement dure pour les producteurs indépendants et bien plus encore pour la scène hardcore (au public jeune féru d’internet et peu enclin ou habitué à acheter de la musique…) De plus l’abandon progressif du vinyle par les DJ est sur le point de signer l’arrêt de mort de ce support… Mais même pour la scène hardcore, il y a un regain net de fréquentation des évènements.

Affûté, prêt à bondir, tendu comme un tigre... et beau dans l'effort.

Oui et non… Si l’on ne parle que des producteurs de vinyles indépendants, ces structures étant en grande majorité gérées par des artistes, ceux-ci bénéficient directement du regain des soirées en multipliant les dates, sans pour autant devoir changer l’activité de leur structure.

Pour les producteurs de CD ou ceux qui ne sont pas par ailleurs artistes, la situation est plus délicate, l’organisation d’évènements est effectivement un moyen de survie, mais est loin de pallier à l’effondrement du marché du disque. Il est clair que, vu l’état des choses, la musique seule ne se vend plus, il faut proposer des ‘produits’ proposant plus que de la musique pour espérer faire des ventes.

Les platines CD ont été conçues pour être très proche des platines vinyle dans leur utilisation

Vouées à séduire les DJ habitués au vinyle, les platines CD ont été conçues pour être très proche des platines vinyle dans leur utilisation : on fait défiler le morceau en avant et en arrière à la main, scratches, spinback, quasiment tous les effets possibles sur vinyle le sont aussi sur CD (le numérique en offrant bien évidemment de nombreux autres). Le toucher est par contre beaucoup plus lourd que sur du vinyle, ce qui demande donc moins de précision et permet donc à un DJ habitué aux vinyles une prise en main quasi directe du CD. De plus, évidemment, sur CD, pas de problème (ou très rarement) de disques qui sautent…

Le son des 2 supports est différent, sur vinyle c’est plus chaud et rond dans les basses, pour le CD les aigus sont plus précis et les basses plus sèches. En sortie de façade, cela dépend le plus souvent du support sur lequel le son a été réglé, si il a été réglé sur du CD (ce qui est le plus souvent le cas), le vinyle ressortira plus étouffé et il y aura sûrement du rumble… Dans le cas contraire, le CD manquera de puissance et sera plus criard que du vinyle.

Ton top 5 des tracks hardcore de tous les temps ? Wow, c’est dur de n’en garder que 5… sans ordre de préférence : DOA – “Wanna Be A Gangster” / Caution Acid – “100% Acidiferous” / Euromasters – “Alles Naar De Kloote” / Original Gabber – “Pump That Pussy” / Hardsequencer – “Mindcrash”

Ton top 5 des albums de tous les temps ? Là aussi, c’est dur… The Beatles – «Abbey Road» / Pink Floyd – «The Wall» / New Order – «Substance 1987» (même si ce n’est pas réellement un album !) / The Prodigy «The Fat Of The Land» / Kraftwerk – “Electric Café” … Mais j’ai vraiment l’impression d’en oublier plein !

C’est le paradoxe du DJ également producteur ! En tant que producteur, il faut vendre du vinyle, mais même si en tant que DJ, on préfère le vinyle, les standards ont changé et comme je l’ai dit, si dans les soirées, la sono est calée sur du CD, ça peut-être difficile de bien faire sonner du vinyle… Il arrive même qu’il n’y ait pas de platines vinyle où qu’elles ne soient tout bonnement pas en état de marche. Mais il reste encore des gens qui s’en servent, alors il faut bien continuer à en faire… Vive la schizo !

La scène et les modes

Au début, ce ‘melting-pot’ musical donnait vraiment lieu à un débordement de créativité, chaque culture apportant ses références à l’édifice, ce qui donnait une scène qui se renouvelait à une vitesse folle. Depuis, les différentes générations de ravers ont cristallisé certains codes, la scène évolue donc moins vite, au gré d’’effets de modes’ qui durent 3 ou 5 ans, la où, au début, la musique se renouvelait tous les 6 mois.

Merci ! Je dirais que le choix de la musique est essentiel, bien plus que la technique… Il faut être réceptif au public sur le dancefloor, c’est avant tout pour lui que l’on est là… Avoir un son propre, évidement… Se reposer les oreilles après chaque soirée… Et un cinquième ? Garder son sang froid en toutes circonstances !

L’alcool ? Non, sérieusement, c’est dur à dire, chacun à ses façons de gérer son stress et son trac… Mais j’ai tendance à dire que plus on a le trac, mieux on joue une fois qu’on y est…

Ah, il y a un débat sur les nuits parisiennes ? Je joue assez rarement à Paris, n’y étant quasi aucun weekend, j’ai un peu de mal à suivre ce qui s’y passe… Je ne suis pas trop l’évolution du débat entre les organisateurs et l’Etat, il me semble un peu figé depuis quelques temps, mais on ne peut pas dire que l’Etat ait une attitude aussi répressive que par le passé.

Plus on a le trac, mieux on joue

La passion de la musique, encore et toujours !

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Si j’y arrive ! Je ne sais pas trop, je ne pense pas trop à mes années de vieillesse à venir… Je parlerai surement de cette période comme d’années de fêtes et d’insouciance.

C’est un bien grand mot ! J’essaye de vivre ma passion de la musique et du travail bien fait, si cela en a inspiré certains, je ne peux que m’en sentir flatté.

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Cet article a été initialement publié sur Culture DJ
Photos : Florian Pittion-Rossillon

Dès mon plus jeune âge à Nice, je réalisais des petits films, pas toujours significatifs mais j’étais satisfait de pouvoir m’exprimer par ce biais.
J’ai commencé de manière professionnelle à Paris, il y a 15 ans déjà, par le montage sous toutes ses formes, news, reportages, docus puis pubs, courts-métrages et enfin clips. J’ai énormément appris au côté de nombreux réalisateurs et le fait d’avoir monté plus de 200 clips musicaux m’a forgé le regard.
Par la suite, la chaîne Voyage m’a offert l’opportunité de réaliser des reportages et documentaires. J’ai pu voyager à l’étranger à l’occasion d’émissions thématiques, une superbe école pour le tournage et l’improvisation.

J’ai ensuite réalisé mon 1er court-métrage en 35 mm « ex » en ayant la satisfaction de pouvoir montrer mon propre univers…il s’agit d’un thriller à la sauce humour noir. Deux années d’acharnement pour une très belle aventure. A l’époque, un titre a été composé spécialement pour le film et voilà mon tout premier clip (interprété par Lisa Manay et composé par Laurent Sauvagnac) : « Happy ».

PAUL MC CARTHY, MATTHEW BARNEY, JACKSON POLLOCK

Puis les choses se sont enchainées, deux autres courts-métrages « Je » et « Babette », et jusqu’à aujourd’hui des pubs et des clips.
Mes aspirations visuelles se tournent de plus en plus vers l’art expérimental et les performances. Par exemple Paul McCarthy, Matthew Barney ou Jackson Pollock sont pour moi des sources d’inspiration.

J’essaye de trouver un équilibre entre des commandes plus commerciales et ma propre expression artistique qui n’est pas toujours compatible. C’est un jonglage schizophrénique mais vital dans tous les sens du terme.

En ce qui concerne mes projets, je travaille sur quelques concepts de clips avec des labels et je développe un long-métrage « XX+XY ». Il s’agit d’un film expérimental sur le contrôle du sentiment amoureux…tout un programme : )

Ce clip a une histoire particulière. J’ai d’abord littéralement craqué sur le lieu en regardant un reportage télévisuel sur une usine de poupées gonflables.
J’avais focalisé sur le potentiel de la matière, le côté terreux sur les visages de ces mannequins inertes, l’eau et cette couleur de latex pure… Je me suis donc rendu sur place pour faire des photos et essayer d’obtenir une autorisation de tournage.

C’est ensuite que j’ai soumis ce décor atypique via Fluidriver au label Pschent pour ce single « Moscow Discow » (NDLR: voir l’histoire du clip ici).

“UN LIEU PARTICULIER, LE POTENTIEL DE LA MATIÈRE”

Afin d’adapter ce décor au morceau, j’ai eu l’idée de transformer cette usine de poupées gonflables en une usine d’androïdes. Il fallait du coup que je trouve une fille qui puisse s’intégrer aux mensurations du moule. Pas simple mais Emily d’Angelo est apparue.

Après, c’est en collaborant avec Virginie Pichot, ma Directrice Photo, que nous avons essayé de rendre le lieu cinématographique… Je rends hommage à l’artiste JD Davis qui s’est prêté au jeu admirablement.

J’ai toujours adoré cette forme d’expression.
C’est un domaine assez libre et sur le vif. Les tournages durent souvent qu’une journée donc c’est très rock and roll et dans le même temps formateur.
Il y en a vraiment pour tous les goûts mais pour moi, aborder un clip comme un court-métrage est vraiment intéressant. On ne peut pas le faire tout le temps car ce n’est pas toujours approprié mais quel bonheur quand c’est possible.

Il est vrai que les budgets ont considérablement baissé mais c’est aussi à nous de devoir nous adapter…dans l’attente d’un nouveau souffle auquel je crois.
Je pense que nous allons retrouver les moyens de travailler convenablement en cherchant des financements ailleurs. Le placement de produits en est un très bon exemple. Nous sommes encore frileux en France, mais si c’est fait intelligemment et subtilement, pourquoi pas ?

Pour moi, un artiste doit plus que jamais avoir son propre univers en adéquation avec sa musique.
Les images fusent dans tous les sens sur facebook et youtube, nous sommes dans une frénésie de mini séquences à tout va, les outils sont à portée de tous, caméras et logiciels de montage, etc…mais justement, nous nous inscrivons dans une nouvelle génération et les challenges sont grands.
Dans cette grande toile, le clip devient la référence ultime.

On regarde tous une chanson en plus de l’écouter ! Il faut donc soigner le stylisme, les couleurs, le look, le décor, la narration éventuelle. Et même un clip minimaliste est prometteur, et par conséquent ultra promotionnel, si il a été vraiment pensé et travaillé pour l’artiste.
Fais-nous découvrir 3 clips présents ou passés qui t’ont marqué.

C’est très compliqué, il y en a beaucoup mais d’abord voici une petite merveille chorégraphiée qui n’est pas un clip fait pour un artiste mais que j’admire pour la précision du montage et l’esthétisme : Of Porcelain « Signal the captain »:

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Pour le message, la narration et parce que c’est ce qui m’a donné envie de faire du clip : Leftfield « Afrika Shox »

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Pour l’idée extra et la formidable interprétation : Mickey 3D « Matador »

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Pour la performance, la précision et le travail en amont que cela nécessite : Ok Go « This too Shall Pass »

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Article initialement publié sur FluidRiver.

Le jour, Ian Wright est un garçon poli et courtois qui compose de la musique et qui monte des vidéos. La nuit, portant un masque de monstre ou une cagoule de terroriste, il devient DJ Plague et terrasse les dancefloors avec la forme la plus extrême de la techno : le speedcore. Et il réalise des afterfilms de soirées. La rencontre avec cette éminence bruitiste a révélé un formidable conteur, donnant sa version des faits suite à la dématérialisation de la musique, la conséquence de l’informatisation de la société, ou la légitimité de porter un masque pour jouer en public. Ah oui, il est canadien, et vient de se faire virer de la Hollande où il habitait depuis six ans. Elle est belle l’Europe, tiens.

Eh bien après être allé et venu sans problèmes pendant 6 ans, ils ont dit que j’étais resté trop longtemps et m’ont expliqué que je devais rester hors d’Europe pendant 3 mois, et qu’il y avait une possibilité d’une exclusion de 5 ans avant de pouvoir revenir. Je ne sais pas si c’est vraiment si sérieux, vu que ça n’a jamais été un problème avant, mais en tous les cas, le système d’immigration en Europe est un ratage.

J’ai déjà attendu 6 ans de recevoir mes autorisations de travail, donc ça et une douzaine d’autres facteurs, incluant la fin du vinyle et la scène qui rétrécit encore et encore, ça a entraîné ma décision de rentrer au Canada. Peut-être retournerai-je en Europe occasionnellement pour des tournées courtes, mais il n’y a aucun avenir pour moi à vivre ici toute ma vie comme un immigré clandestin.

Oui, il semble que ça prenne cette direction de plus en plus. Il était établi que les platines vinyle étaient le dispositif principal de la régie son. Maintenant elles sont le plus souvent poussées sur le côté et les platines CD sont le standard. Peut-être que dans 5 ans, voire moins, les platines vinyle auront complètement disparu [Depuis cette interview, Panasonic a annoncé la fin de la production de ses légendaires platines Technics SL1200].

Je ne comprends pas du tout le principe du « net label ». Puisqu’il n’y a aucun coût lié à la sortie des morceaux, il n’y a plus aucun besoin pour des labels.

N’importe qui peut mettre ses morceaux en téléchargement sur internet. C’est devenu vraiment compliqué de chercher de la bonne musique puisque les labels agissaient comme des filtres exposant les meilleurs morceaux. Mais ça donne une chance aux gens qui veulent sortir leurs morceaux. Le seul problème est qu’il y a un océan de morceaux amateurs à passer au crible, donc ce qui relevait de la recherche de vinyles relève maintenant de la recherche dans les forums et les sites de téléchargement pour trouver de bons morceaux.

L’arme secrète du DJ

De mon expérience, le feeling n’est pas le même. Quand j’ai commencé à aller en rave j’avais l’habitude de regarder le DJ de près, de scruter le label sur le disque qui tournait, et de voir le morceau qui allait suivre. De regarder le graphisme sur les pochettes. Le sac à disques était comme la pochette surprise du DJ. Son arme secrète.

Maintenant, regarder un DJ consulter son range-CD est aussi intéressant que de le regarder consulter un annuaire téléphonique. Ou regarder un DJ sur ordinateur portable est comme regarder quelqu’un consulter ses emails.

C’est pareil pour le mix, bien qu’il y ait beaucoup d’effets particuliers. Et s’il n’y a plus ce problème de diamant qui saute, mixer sur CD est un peu trop technique. Il n’y a plus cette sensation merveilleuse de claquer un bon gros vinyle sur la platine et toucher la musique avec ses mains. Mais c’est la voie que suit la société en général. Mettre des ordinateurs entre les humains et l’expérience réelle, tout ça au nom du « progrès ».

Eh bien ce n’est certainement pas sans bénéfices. Tu peux plus facilement appliquer des effets pendant le mix. Mais les gens doivent être avertis du côté négatif de tout ce « progrès ». Quand tout est facilement accessible, la valeur de chaque chose décroît. Et avec la musique en général, avec l’invention de l’iPod et la capacité de transporter avec soi des milliers de chansons, celles-ci ne sont plus aussi précieuses que quand elles étaient sur un album complet avec sa pochette et son livret. De même que tous les magasins de disques font faillite parce que la musique migre sur internet.

Cela revient à enlever l’interaction humaine de l’équation. C’est un gros changement, qui contient de bonnes choses, et des mauvaises. C’est juste qu’il est important de ne pas sauter aveuglément dans ce qu’on pense être un progrès sans comprendre les coûts cachés d’abord.

En vinyle : GFB vs Rotello – “One In Seven” / Sonic Overkill – “Born In Hell” (Speedcore) / Kenny Gee – “Full Scale Riot” / Canadian Speedcore Resistance 6. En CD : “Yatsuzaki Hardcore”. Et quasiment tout de Sonic Overkill, Mutante ou Speed Freak (c’est vraiment une liste au hasard de ce qui me vient à l’esprit là tout de suite).

La scène évolue par cycles. Les grosses organisations se construisent sur une scène fertile, libre d’interventions policières et de restrictions gouvernementales, une fois qu’elles deviennent suffisamment grosses des organisations plus petites grandissent autour d’elles. Il finit par y avoir trop de soirées et il n’y a pas de quoi les faire tourner, alors la scène décline et seules les grosses organisations ont suffisamment d’assises financière pour continuer. Alors la scène rétrécit et si la base est toujours fertile, alors la même chose se reproduira. La difficulté maintenant avec la mort du vinyle et la facilité de téléchargement des MP3, c’est que beaucoup de grosses organisations souffrent que ce qui constituait une importante source de revenus ait disparu. Alors pour la première fois on voit des sociétés comme Midtown fermer leurs portes [Midtown existe toujours, ce sont d’autres qui ferment, NDA], et ce n’est pas bon signe, puisque si les grosses organisations coulent, ça sera très dur pour les petites de démarrer dans le futur puisqu’il n’y aura pas de scène sur laquelle se reposer.

En 1996 il y avait un seul DJ à Toronto qui mixait hardcore, DJ Dominik. J’allais à chaque soirée où il jouait et j’attendais son set à 7 heures du matin. Il jouait toujours à la fin ou au début.

Mais j’ai fini par apprendre qu’il y avait bien plus de styles de hardcore, et après en avoir eu assez d’attendre qu’il sorte de nouvelles mixtapes j’ai décidé de mixer moi-même. Cependant une fois que j’ai commencé à acheter des disques, le hardcore est soudainement devenu lent et ennuyeux. Alors j’ai découvert Shockwave et des labels anglais comme Area 51 et plus tard Deathchant. C’est là que j’ai décidé de jouer du hardcore rapide, ou du speedcore, comme on dit.

Alors j’ai rencontré Interrupt Vector qui produisait du speedcore, and nous avons décidé de créer notre propre label, Canadian Speedcore Resistance (CSR). Grâce à des soirées organisées par Terrorist Kriss en ce temps-là (vers 2001), les choses ont bien évolué, jusqu’à ce qu’après quelques tournées j’ai déménagé en Europe pour me consacrer entièrement à CSR.

Quant au masque, j’ai compris qu’on ne peut pas avoir se montrer en ayant l’air normal, dans cette musique. Tu dois ressembler à ce dont la musique sonne, alors tu dois avoir un masque. A moins que tu sois The Vizitor qui a suffisamment l’air dur comme ça [The Vizitor est un DJ hollandais fervent pratiquant du body-building, NDA].

Le death metal de la techno

Bien sûr que c’est possible. Regarde Insane Clown Posse, Slipknot, ou même Marilyn Manson. Tu as déjà vu Marilyn Manson sans maquillage ? Le mec a l’air complètement banal.

Eh bien ce sont tous des termes inventés dans différents pays. Au Canada nous avions seulement le hardcore (Neophyte, Paul, RTC etc..) et le speedcore (DOA, Deathchant, Shockwave etc…)

Quand je suis allé en Hollande, tout le monde a commencé à appeler ce que je jouais “terror”, donc je me suis dit, OK, c’est du terror.

Je pense que le terror est dur et rapide, souvent avec des guitars et des cris, et tourne dans les 230 à 290 bpm. Je dis aux gens que c’est comme le death metal de la techno. (Le frenchcore étant quelque part de 190 à 230, le hardcore généralement de 150 à 190 bpm et le plus souvent basé sur un gros kick et des synthés, et le speedcore étant censé être plus rapide que tout et concentré essentiellement sur des rythmes rapides. Certains parlent de « splitter », qui fait penser à des mitrailleuses). Mais tous ces noms sont un peu vagues, et les gens vont en débattre pendant des jours sur les forums du web.

OUI ! Cela aurait dû commencer il y a très longtemps déjà. C’est la même chose depuis 10 ans ou presque. Quand ça a ralenti je pensais que cette tendance durerait 2 ans, mais ça continue encore 10 ans après.

Difficile là encore… Et là encore, au hasard… Rotello vs GFB – “The Berzerk Manolo Macchetta” / Sonic Overkill – “Raise Ya Fist” / Mutante – “Money” / m1dy vs M-Project – “Squid vs Pantyhose” / D.O.A. – “New York City Speedcore” (un ultra-classique, NDA). La liste change tout le temps ! Il y a tellement de bons trucs…

Je ne considère pas du tout que CSR soit expérimental. L’idée était de combler le vide entre le hardcore trop lent, et le speedcore trop rapide et extrême. De rester rapide, mais de rester écoutable également. A Toronto il y avait toujours des frictions entre le breakcore et le speedcore. Le breakcore essayait d’être plus expérimental et intellectuel, alors que le speedcore était juste une question de dire fuck tout.

Mon idée du speedcore est plutôt d’éprouver des émotions brutes et de laisser tes frustrations s’extérioriser par la musique. Honnêtement il n’y a pas beaucoup de place pour l’expérimentation dans ce genre musical. Ca se limite à des kicks et des samples et comment ils peuvent être découpés, arrangés et masterisés. Je sais qu’il y a pas mal de gens qui se targuent d’être expérimentaux et branchés. Mais je veux juste une musique très énergique avec un bon rythme qui te fait bouger. Si tu es trop expérimental alors ça ne se passe pas bien sur le dancefloor, alors que si tu es un DJ tu fais justement en sorte de le faire bouger.

Une fois j’ai vu un type dans une soirée avec un t-shirt qui disait « Fuck art, let’s dance » (« L’art va se faire foutre, dansons »). Tout est dit en peu de mots.

Filmer le plus de filles

Difficile de dire ce qui a évolué. Je pense que c’est devenu un style à part entière plutôt que d’être dans la petite salle d’une soirée hardcore. Mais ça reste quand même encore pas mal confiné là-bas. J’ai vu récemment une vidéo de 1998 et la salle terror avait déjà exactement l’air de ce que c’est maintenant. L’énergie que la musique génère tendra à attirer les mêmes personnes, quels que soient l’époque ou l’endroit.

Donc plus les choses changent, plus elles demeurent.

Haha ! Loue une bonne caméra, ne filme pas un dancefloor vide, filme beaucoup de lasers, bouge avec la caméra, et filme le plus de filles possible.

Oui c’est possible. J’ai étudié les beaux-arts, et la réalisation de films en faisait partie. J’aime faire plein de choses, alors que faire juste du son ou du montage vidéo est limité. Je préfère faire toute la production, et créer tout un concept en ayant la main sur chaque étape du projet.

Vraiment au hasard, et plein de gens diront “Oh, il a oublié lui et lui !”… Mais bon…

Salle Hardcore / Terror / Speedcore : Sonic Overkill – The Speed Freak – Mutante – Smurf – Fishead – Micropoint – Ron D Core – Drokz & Akira – Noisekick – The Vizitor – Moshpit – The Berzerker – m1dy – Ozigiri – RoughSketch – Speedloader ;) – et moi…

Salle Early Rave (tous jouent le style qu’ils jouaient en 1997) : Ruffneck – Neophyte – Rotterdam Terror Corps – Predator – Masochist – Scott Brown – Dj Dominik (Le DJ de Toronto qui a lancé le hardcore au Canada) – Brisk – Clarkee – SOS.

En ce moment je travaille avec DJ Mutante sur un nouvel album. On a déjà quelques tracks et il en reste pas mal à faire. Pour le futur de CSR j’ai pensé à des façons de l’emmener un pas plus loin. Peut-être le transformer en bande dessinée ou même un dessin animé. Quelque chose qui puisse utiliser la musique comme une partie de toute une histoire. Une manière de lui donner une nouvelle dimension, comme ça elle n’est plus seulement confinée dans la petite salle d’une soirée hardcore. Il y aura toujours des gens qui voudront évacuer leurs émotions avec cette musique, alors cela est un moyen de toucher un public plus large. Ce qui est sûr, c’est que je travaillerai de plus en plus avec la scène japonaise. Ils ont plus d’un style qui m’intéresse. Une scène très éclectique, et un hardcore plein de variations, qui ne se repose pas seulement sur le niveau de dureté d’un kick. Ils ont plein de producteurs différents et ils ont plein de potentiel.

Nous verrons bien. Il n’y a pas de mort, juste des nouveaux départs.

Il y en a plein, mais ça dépend de tes goûts car il y a une grande variété de styles. Il y a Sharpnel, m1dy, RoughSketch, M-Project, Ozigiri, Chucky, C-Type, Shimamura, Akira Death et plein d’autres. Ca va du speedcore extrême au happy hardcore, mais tout est bien fait.

Le show de DJ Plague, tous les jeudis soirs sur Hardcore Radio

A Toronto il y a une scène très éclectique. Faite de plein de gens différents, de pays et de cultures différents. Il est impossible de faire une grosse soirée hardcore comme en Hollande. Il y a plein de clubs, tu ne peux pas demander plus de 5$ à l’entrée, alors c’est difficile de rentrer dans ses frais. Il est plutôt question de rassembler ses amis et de décider d’organiser une soirée. L’avantage de ça et que tu as plein de styles différents, et le public est généralement composé de gens qui aiment la musique. Puisqu’ils ont à rechercher ce genre de soirées, ça signifie qu’ils connaissent bien la musique et qu’ils viennent l’esprit ouvert.

De moins en moins. J’aime la musique et l’aimerai toujours, mais plus tu vieillis, moins tu as d’énergie pour faire la fête et boire des coups. C’est un autre facteur de ma décision de repartir au Canada. Je ne vais jamais totalement abandonner la musique, puisque je l’aime, et sans doute reviendrai-je pour des bookings particuliers. Mais ça ne doit jamais devenir un job que je fais seulement pour l’argent. Si tu le fais seulement pour l’argent et pas par amour de la musique, tu dois arrêter. Tu dois toujours être passionné par ce que tu fais.

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Cet article a été initialement publié sur culture DJ

Crédit photo flickr CC: Christiano Betta; Roberto; Amandabhstater, miss_blackbutterfly

La prophétie annonce que 2010 sera la décennie de la Gloire Nouvelle de la nuit française. Pendant que certains valeureux s’activent côté institutionnel et médiatique, d’autres agissent sur le terrain et proposent enfin des évènements pour la génération New Clubbing. Rencontre avec Davy, tout feu tout flamme, oeil coquin et moue boudeuse en sus.

Nous avons trois concepts de soirées très distincts. Il y a les All Naked que l’on retrouve maintenant exclusivement au Batofar avec un style plutôt dirty, fidget (le côté sale de l’electro) avec des artistes tel que Gigi Barocco, Mightyfools, Toxic Avenger… et avec un coté booty puisque de nombreux groupes de Hip Hop participent à ces soirées (Da Krew, Comic strip, Gerard Baste, Panpan Master…).

Les soirées I Wanna Lick It ont lieu au Nouveau Casino. Le style est plus dutch / break / tropicale avec de grand producteurs de la scène electro mondiale tel que Miles Dyson, Sound of Stereo ou Will Bailey, des line-ups plus pointilleux pour une musique qui regroupe aussi tout le style underground du clubbing parisien.

Nous avons aussi les soirées Trash’n’Dirty qui se déroulent notamment à GlazArt. Nous privilégions plus la scène sur ces soirées, avec des groupes tel que Silvouplay ou Dick Lorentz, avec souvent des performances au rendez-vous et un gros spectacle live.

Concernant la soirée de La Machine c’est un projet totalement différent. Nous sommes trois associations réunies : Rewind, Bang Gang et Bass Society. Nous regroupons l’ensemble de la bass music sur 3 dancefloors avec les différents style de l’électro du moment, associés à la drum’n'bass et au dubstep !

Je lui promets une soirée pleine ! Un programme choux, jambon, pommes de terres, poitrine de porc : une vraie choucroute de l’electro !

Du beat en veux tu en voilà sur tout les styles de la bass music, qui fera trembler les murs et pas mal de surprises. Notamment visuellement sur le mainstage avec une installation scénographique de Mosquito Massala et surtout Mightyfools qui nous reviennent de la Hollande avec leur énergie (l’autre pays du fromage et sûrement un des premiers de l’electro). Aussi en dubstep les talentueux anglais Kromestar et Sukh Night ! Une salle de la chaufferie qui va faire transpirer la drum’n'bass avec notamment Ez-Rollers et DJ Panik. Et le bar à bulles Booty, Trash et Fidget en haut avec tout le gratin parisien de différentes organisations, notamment Captain Cadillac des Booty Call, Nostromo des Rewind, Hybu des Bass Society et nombreuses surprises ! C’est une soirée qui va tacher !

Essentiel que les gens s’amusent

En effet, nous avons déjà eu plusieurs expériences notamment dans le sud de la France, dans l’est et un peu partout en fait. Pas mal de projets sont en cours sur différentes villes et salles. Nous avons déjà fait pas mal de soirées sur Toulouse, Perpignan, Dijon. Pour le reste vous le saurez très bientôt !

Nous partons aussi sur plusieurs soirées en Belgique notamment à Liège le 20 novembre. Nous avons à grand coeur de souvent travailler avec les belges, très actifs sur la scène électronique, souvent invités dans nos soirées !

Ton top 5 albums, tous genres confondus ?
Rage Against The Machine – “Evil Empire” ; Phoenix – “Wolfgang Amadeus” ; Mano Negra – “Casa Babylon” ; Bérurier Noir – « Viva Bertaga » ; Svinkels – « Tapis Rouge »

Mon rêve est déjà de pouvoir en vivre et surtout de durer, et ce n’est pas forcément chose facile de nos jours avec toutes les contraintes que l’on nous met dans les pieds. Il est pourtant essentiel dans une société que les gens s’amusent, se défoulent et puisse jouir de la musique et de la fête. On nous parque et canalise dans certains lieux qui eux-mêmes sont souvent menacés… La France à réellement un cran de retard sur d’autres pays comme la Hollande, la Belgique ou l’Allemagne … et ça se ressent aussi sur les soirées …

Sinon la soirée idéale … Je pense qu’elle n’existe pas ou si elle existe tu dois vite te faire chier, c’est souvent emmerdant quand c’est trop parfait ! Ou alors il faut beaucoup d’alcool !

Ca va de la petite soirée en bar à la soirée en club ou Zénith … Je prendrai d’abord l’exemple des bars avec l’interdiction de fumer , les gens fument dehors , ça fait du bruit , ça dérange et ça compromet ce genre de soirées … En club il y a beaucoup de deals non équitables au vu du travail fait par les associations, certaines combines pas toujours honnêtes , des points de détail qui se durcissent et qui coûtent cher à l’organisateur alors que cela ne coûterait presque rien au club … Et pour les grosses soirées des soucis type sécurité dérisoire et prix exorbitants qui souvent empêchent les autorisations pour organiser… L’electro reste encore le vilain petit canard de la scène française et nombreux sont ceux qui voient la musique et le public d’un très mauvais œil, ce qui n’aide rien à la développer. Que ce soit venant des professionnels, les politiques ou le public.

Le problème #1 de la France

La France est en retard sur le professionnalisme, la fréquence et surtout la fréquentation des événements. On peut voir de nombreux français partir régulièrement tous les weekends dans ces pays pour faire la fête … On voit peu d’allemands ou hollandais venir faire la fête en France. C’est dommage car une ville comme Paris à les capacités et les moyens, ainsi que les lieux pour devenir une réelle capitale de l’electro mais hélas les problèmes dont j’ai parlé empêche notamment ce développement … Je ne sais pas si il y a des solutions à part faire évoluer les mentalités mais notre pays est très conservateur et n’aime pas trop les changements … Donner plus de moyens, plus d’ouverture et faire confiance à plusieurs organisations très compétentes pourrait déjà permettre des événements plus intéressants et originaux qui attireraient le public étranger (je pense a des festivals comme on voit en Hollande type Ground Zero, Q-Base, Dance Valley, etc … ). Des collaborations avec des pays étrangers genre bus/pack voyage… sur des soirées et une communication plus basée sur l’Europe que notre pays aussi … même si je pense que certains le font déjà.

Non ça c’est partout c’est le jeu ou le business comme on dit… Mais les pires pas gentils c’est en France !

Oui, produire des événements notamment. Mais je travaille aussi beaucoup sur les bookings avec mon agence Rewind Bookings afin de développer notre terrain de jeu et nos DJ sur d’autres soirées et essayer au maximum de bouger de Paris aussi. Car je suis de province comme la plus part des personnes qui travaillent avec moi dans Rewind. Nous avons à grand coeur de faire partager notre musique et notre énergie dans les contrées les plus lointaines du pays, et même de l’Europe et l’agence de booking nous permet de pas mal voyager.

En pour durer je pense qu’il faut continuellement se renouveler et garder le fil comme un DJ doit toujours être à la page de la musique. Les soirées, les projets doivent évidemment rentrer aussi dans ce contexte ! Monter en puissance aussi en proposant des événements et des concepts toujours plus novateurs car le public se lasse vite de nos jours et surtout encore et toujours garder la pêche !

C’est plus des tendances que des styles, tout évolue tellement vite. C’est un courant musical du moment et je pense qu’on peut tout regrouper dans l’electro . On peut ajouter à ça le grime, le trash, la dutch, la tropicale, etc … Et dans un an on trouvera d’autres noms et d’autres styles. Ils se mélangent même des fois dans un seul morceau… Les gens viennent pour faire la fête et danser quel que soit le style, c’est dancefloor donc ça marche ! Mais personnellement je suis plus electro-rock et dirty !

Ton top 5 des tracks de musique électronique de tous les temps ?
Rolando – “Jaguar” ; Daft Punk – “Aerodynamic” ; Vitalic – “Poney Part 1” ; Bloody Beetroots – “Cornelius” ; Paul Kallbrenner – “Sky And Sand”

En fait j’ai commencé dans le rock bien avant le hardcore … Mais concernant le string il est aussi mouillé qu’un bon treillis dans le hardcore. Il sent peut être un peu moins fort, c’est tout.

En fait ce n’est pas une évolution c’est juste une histoire différente … Je pense avoir fait le tour dans le hardcore, trop de soirées, trop de projets, peu de considération et surtout très peu de salles en France dans lesquelles développer cette musique. Le style fait peur … Les soirées devenaient toutes les mêmes et en général j’aime aller en soirée pour faire la fête plutôt que voir des gens faire la gueule, ce n’est pas une généralité mais c’est ce que je retrouvais le plus souvent. Et heureusement ce n’est pas le cas partout. C’est pour ça que j’aimais aller retrouver ce coté hardcore dans d’autres pays comme la Hollande ou les gens savent faire la fête … Or ce coté festif que j’avais perdu avec le hardcore je l’ai retrouvé dans l’electro. Mais quelque part le hardcore c’est de l’electro. C’est juste une branche du grand arbre tout comme la branche dans laquelle je suis en ce moment … J’avais juste besoin de changer d’air en fait, la boucle était bouclée !

Après on peut retrouver dans la fidget les nappes du gabber type PCP avec un coté dance et house, dans le dirty on retrouve le sale du hardcore, avec dans chaque style un coté très dancefloor. C’est un peu pour ça aussi que le hardcore m’a naturellement amené à l’electro, comme pas mal de DJ en fait aujourd’hui.

Incroyable festival en plein Paris

C’est simple qui dit fille dit mecs… Personnellement ça m’est complètement égal du moment que les gens s’amusent. Mais hélas pour un club il est vrai que pour son image et l’ambiance il faut un équilibre des sexes, même si les filles peuvent rentrer souvent sans mecs … le contraire c’est plus rare…

Mais elles sont souvent plus expressives sur un dancefloor, souvent décadentes et sexy. Ca chauffe l’ambiance et la soirée. Et même si elles sont ridicules au moins on se marre et c’est toujours ça de pris ! Un strip-tease d’un mec par exemple complètement bourré avec la raie du cul et les poils qui dépassent, ça fait tout de suite moins vendeur, même si moi ça me fait bien marrer aussi ! Et pour attirer les filles … Je mets du Axe…

Une “Dance Valley” parisienne du coté de Vincennes, le Parc de la Villette ou le Parc de Saint-Cloud sur une semaine avec différentes salles et scènes regroupant tout les styles du moment de l’underground avec spectacles de rue… Le Parc de la Villette serait génial pour ça, avec toute les salles et l’espace vert il y aurait vraiment moyen de faire un incroyable festival en plein Paris, avec de la nature en plus de ça ! En plus c’est à coté de chez moi … ça fait rêver !

En hip hop / electro je suis un gros fan de DJ Pone depuis toujours par sa technique, son originalité et son jeu de scène, son coté rock aussi. C’est pour moi l’un des meilleurs depuis l’âge d’or des Svinkels…

J’ai toujours aussi été très impressionné aussi par AK47, il a souvent osé et innové mêlant différents styles dans le hardcore en passant par la jungle, le hip hop, etc…

Sinon j’adore beaucoup aussi Elite Force aka Zodiac Cartel qui joue plutôt breakbeat, qui a vraiment une puissance incomparable. Je l’ai découvert il y a pas longtemps sur un mix 3 platines mêlant beaucoup de genres et j’ai vraiment pris une grosse claque !

Et forcément il y va y avoir 2 DJ de mon crew. DJ Ecarat car c’est réellement un véritable boulimique de tracks, un des seuls sûrement qui est autant à la pointe de l’actualité musicale en France sur un style electro allant de la dutch à la fidget et bien d’autre styles.

Le deuxième serait DJ Nostromo qui a une technique hors pair, pour moi l’un des plus confirmés et efficace sur un dancefloor à l’heure actuelle, que se soit sur un style minimal/techno ou fidget/dirty. Il a un grand pouvoir sur la scène, bref dj c’est un métier et ces deux là savent travailler !

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Article initialement publié sur le blog Culture DJ

Crédits photos : Rewind.